5 tendances de l'art moderne : Anna Kostritskaya sur l'innovation numérique et la créativité

Anna Kostritskaya est une artiste mondialement reconnue dont les œuvres abstraites expressives ont été saluées lors de nombreux événements artistiques internationaux, notamment à Vienne, Dubaï, Venise, Bâle, Londres et Paris. Son art a été présenté dans des publications prestigieuses telles que British Vogue, Tatler et GQ. Connue pour son style contemporain dynamique, Anna excelle aussi bien en peinture traditionnelle qu'en art numérique, notamment grâce à des projets NFT, redéfinissant ainsi les frontières de la créativité moderne. Dès maintenant, ses peintures captivantes seront disponibles en exclusivité sur l'application InkPoster™, offrant une occasion unique de découvrir son art au format numérique.

En exclusivité pour InkPoster, Anna Kostritskaya partage ses idées sur les dernières tendances en matière d'art, discute de l'impact de la technologie sur la créativité et explique pourquoi elle pense que l'avenir réside dans les formats numériques pour stocker et afficher l'art.

La numérisation : la tendance clé de l'art moderne

Je suis une artiste qui travaille traditionnellement l'huile, le textile et le sable – de l'art hors ligne, de l'artisanat manuel. Mais pour moi, l'art a radicalement changé pendant la pandémie de COVID-19. C'est alors que les galeries en ligne, les musées virtuels et les expositions numériques ont émergé. En 2020, j'ai organisé ma première exposition en ligne – une projection 3D d'un espace virtuel où les visiteurs pouvaient explorer les œuvres depuis chez eux.

Tout au long de l'année 2021, j'ai travaillé sur un vaste projet NFT, à une époque où les NFT étaient encore quasiment inconnus. Le concept de mon projet reposait sur l'idée qu'après avoir passé tant de temps confiné à la maison, l'art lui-même évoluerait inévitablement vers les formats numériques.

Cette année-là, je me suis plongé dans le sujet : j'ai étudié le métavers et exploré comment les artistes pourraient s'adapter et éviter d'être éclipsés par l'essor de l'art numérique. Après tout, dans le monde actuel, tout est sursaturé, y compris l'art physique. L'espace manque tout simplement pour stocker ou exposer des œuvres traditionnelles. Bien sûr, les œuvres de grande valeur d'artistes célèbres sont généralement stockées à l'étranger ou dans des installations sécurisées, comme les aéroports.

En travaillant sur mon projet NFT, j'ai souvent discuté avec des experts de la difficulté de présenter des œuvres d'art à domicile. Autrement dit, il est important de pouvoir exposer les œuvres acquises lors d'une vente NFT, ou même les tableaux de Manet, Delaunay ou Picasso qu'il possède dans sa collection. Les collectionneurs, par-dessus tout, aiment raconter les histoires qui se cachent derrière leurs acquisitions : comment ils se sont battus pour une œuvre en particulier aux enchères ou comment Picasso l'a créée. Ils veulent la mettre en valeur : « Regardez ce que j'ai ! »

C'est là qu'un format comme InkPoster entre en jeu : portable, polyvalent et capable de donner vie à votre collection. C'est une idée incroyable. Avec InkPoster, vous pouvez passer d'une œuvre à l'autre et présenter fièrement votre collection quand vous le souhaitez. En 2021, il n'existait rien de tel.

L’intelligence artificielle – la réalisation la plus prometteuse de la numérisation

L'IA fait indéniablement partie intégrante de la numérisation, mais je pense qu'elle mérite une attention particulière. Nous disposons d'outils comme ChatGPT et MidJourney, et aujourd'hui, j'ai l'impression que tout le monde peut devenir artiste ! C'est exactement ce que je ressens. Par exemple, j'ai un ami marketeur new-yorkais. Il s'est plongé dans ce domaine et, honnêtement, on pourrait déjà le qualifier d'artiste moderne. Grâce à MidJourney, il crée des images de lui-même dans divers rôles, créant ainsi du contenu artistique contemporain.

Un autre rôle important de l'IA est sa capacité à rendre l'art plus accessible aux personnes en situation de handicap. Par exemple, l'IA peut décrire un tableau à une personne malvoyante, lui permettant ainsi de découvrir l'art d'une manière jusqu'alors inimaginable. Grâce à des technologies comme la réalité virtuelle, chacun peut accéder à l'information, visiter des musées et assister à des expositions en réalité virtuelle. De nombreux artistes utilisent désormais la réalité virtuelle dans les musées pour enrichir leurs expositions. Aujourd'hui, chacun peut explorer des collections d'art depuis chez lui.

Écologie et changements globaux

L'écologie reste un sujet d'actualité. Du recyclage du plastique au réchauffement climatique, ces enjeux sont de plus en plus étroitement liés à l'art. Par exemple, l'artiste Olafur Eliasson fait fondre des icebergs dans les villes, exprimant ainsi sa force face au changement climatique.

Je crois qu'un jour, nous nous éloignerons des toiles traditionnelles accrochées aux murs – même si je ne peux pas prédire quand cela se produira. Cela pourrait prendre 5, 10, voire 20 ans. Mais déjà, nous voyons des signes qui vont dans ce sens. D'une part, il y a les manifestations devant des lieux comme la Tate, le MoMA et la National Gallery, où des écologistes versent de la peinture sur des œuvres d'art pour attirer l'attention sur les préoccupations environnementales. D'autre part, la situation mondiale est incertaine et il semble probable que les gens chercheront à minimiser le nombre de leurs possessions. Peut-être que des maisons de ventes comme Christie's et Sotheby's survivront, ne présentant que les pièces les plus exclusives – mais même cela n'est pas garanti.

La peinture, même si je l'aime beaucoup, devient de moins en moins pratique dans la vie moderne. Transporter 30 œuvres d'un endroit à un autre – voire d'un pays à un autre – est un défi de taille, et cela vient d'un artiste, pas d'un collectionneur. Ceux qui possèdent de grandes collections ont besoin d'installations de stockage spécialisées, comme des entrepôts offshore ou des aéroports.

La solution idéale, et celle vers laquelle nous allons, je crois, évoluer, ce sont les affiches numériques. Elles nous permettent de transporter facilement des collections entières sans perdre quoi que ce soit, même en cas de catastrophe – qu'il s'agisse d'un incendie, d'une inondation ou de toute autre calamité. Les affiches numériques préservent les œuvres d'art en tant que biens précieux, tout en relevant les défis logistiques et écologiques des formats traditionnels.

Guerre, politique, activisme et responsabilité

La guerre m'a affecté de manière inattendue. Au lieu de refléter l'obscurité qui m'entourait, je me suis tourné vers l'évasion et j'ai commencé à créer des œuvres lumineuses et colorées – presque comme un moyen de me protéger du chaos qui s'abattait sur nous. Avant la guerre, mes peintures étaient plus dramatiques, avec des tons sombres et noirs. Aujourd'hui, elles sont devenues d'une vivacité presque écrasante. Mais même dans ces œuvres lumineuses, je perçois encore une certaine lourdeur. Leur sens n'est ni simple ni léger. Pour moi, cette série est profondément complexe.

La tendance à privilégier l'activisme et la sensibilisation dans l'art est particulièrement marquée en Ukraine, ce qui est logique compte tenu de notre situation. La guerre a forcé les gens à s'exprimer, et ceux qui créent des œuvres qui abordent ces réalités accomplissent un travail véritablement puissant. De nombreux artistes exceptionnels œuvrent dans ce sens. Par exemple, Zhanna Kadyrova a toujours abordé des questions sociales et politiques pertinentes à travers son art. Mais cette approche n'est pas nouvelle ; des artistes de renommée mondiale, comme Ai Weiwei, Marina Abramovic et Banksy, ont toujours su s'approprier les problèmes sociaux et politiques actuels et les refléter dans leurs œuvres.

Cette tendance existe depuis longtemps. Aujourd'hui, cependant, face à l'évolution du monde – avec la Covid, les guerres et autres crises –, elle paraît encore plus urgente. Le monde semble se contracter, se préparant à un changement. Quoi qu'il en soit, le paysage mondial va se réorganiser – chacun le ressent. Et les artistes, étant des êtres sensibles émotionnellement et mentalement, transmettent naturellement cette sensibilité à travers leur art.

En conséquence, de plus en plus d'artistes s'intéressent à des sujets sociaux et politiques actuels et s'engagent dans l'activisme. L'art militant a toujours été recherché et se vend bien. Les œuvres abordant des questions d'actualité attirent souvent collectionneurs, stratèges politiques et avocats. Il y a presque toujours une file d'attente pour de telles œuvres.

Art figuratif, sens et spiritualité

Récemment, l'art s'est éloigné de l'abstraction pour devenir plus figuratif. Autrefois, l'accent était davantage mis sur l'abstraction et les pulsions intérieures. Aujourd'hui, les artistes présentent des images plus personnelles et introspectives.

Dans les galeries londoniennes, l'art figuratif est omniprésent. Nombre d'entre eux évoquent la spiritualité ou explorent les univers uniques créés par les artistes. Le retour à l'art figuratif, avec une imagerie claire et définie, est devenu l'une des tendances majeures de l'art contemporain. De nombreux artistes revisitent et réinventent des sujets classiques, comme ceux de la Renaissance, en leur apportant une touche de modernité et en les exprimant dans un style unique. Ce type de réinterprétation est très actuel.

L'hyperréalisme reste populaire – il s'est toujours bien vendu – mais il n'est pas aussi répandu qu'on pourrait le croire. Je vois plutôt émerger une forme de liberté figurative. Cela rappelle ce que Basquiat représentait autrefois, ou l'imagerie que l'on trouvait sur les portes de garage, mais aujourd'hui, cela évolue vers des formes plus douces, plus brillantes et plus généreuses. Il existe une incroyable diversité parmi les artistes d'aujourd'hui. Nous sommes loin du temps où un style unique et dominant définissait une époque. Cela a pris fin avec l'Art nouveau, époque où l'esthétique était unifiée – tout ressemblait à une affiche d'Alphonse Mucha, et c'était tout. Aujourd'hui, il n'y a plus de règles. Chacun crée à sa manière. On peut être qui on veut en tant qu'artiste. L'essentiel est de rester fidèle à soi-même et de ne pas perdre son individualité.

Mais les frontières entre les styles artistiques se sont également estompées au fil du temps. Si l'on retrace l'histoire de l'art, on comprend son évolution. Au début, les artistes se limitaient à représenter des figures religieuses, puis des rois, puis des nobles, et enfin des gens ordinaires, comme des blanchisseuses. L'apparition de la vie quotidienne dans l'art a été une véritable révolution. À partir de là, les possibilités n'ont cessé de s'élargir.

Aujourd'hui, rien ne peut vraiment nous choquer. On pourrait entrer dans une galerie et voir un morceau de viande en décomposition exposé. C'est le monde dans lequel nous vivons aujourd'hui.