Explorando el futuro de la creatividad digital: Kate Vass habla sobre

Kate Vass, visionaria del arte y la tecnología, fundadora de la Kate Vass Galerie de Zúrich, ha dedicado su carrera a impulsar el arte digital y a apoyar a los talentos emergentes. Su galería fue uno de los primeros espacios del mundo dedicados íntegramente a mostrar la creatividad digital.

En nuestra conversación, que tuvo lugar durante la participación de InkPoster en Digital Art Mile, Kate Vass reflexiona sobre su experiencia trabajando en la vanguardia del arte digital, analiza las tendencias que están redefiniendo la industria y explica por qué InkPoster es un proyecto tan esencial para hacer que el arte sea más accesible y relevante hoy.

En busca de los Kandinsky y Warhol de nuestra época

El arte siempre ha formado parte de mi vida, no solo las artes visuales, sino también la música, el teatro, la arquitectura y la performance. Más tarde, a través de mi interacción con las finanzas, las criptomonedas y las DeFi, comencé a cuestionar los marcos tradicionales que rigen el valor, la propiedad y los sistemas de confianza. Fue entonces cuando empecé a ver que esta tecnología podía, de alguna manera, reflejar lo que está sucediendo en el mundo del arte.

Como coleccionista, he contemplado miles de obras de arte mientras colaboraba con diferentes galerías y coleccionistas. Fue entonces cuando empecé a preguntarme: ¿quiénes son los Kandinsky y los Warhol de nuestro tiempo? Y fue entonces cuando me cautivó.

Al principio, creo que era más una pasión por encontrar respuestas, por descubrir quién reflexiona sobre nuestra época. Luego se convirtió en una misión: representar a artistas que trabajan con IA, aprendizaje automático, programación, arte algorítmico u otras tecnologías de vanguardia.

En algún momento, abrir mi propia galería se trataba de no repetir los mismos modelos en todos los sentidos, sino de encontrar nuevos tipos de relaciones que se pudieran construir con los artistas. Un nuevo tipo de arte que realmente se pudiera exhibir, un nuevo tipo de relación: cómo conectar con la comunidad y con una nueva generación de coleccionistas. Creo que ahí es donde el arte y la tecnología jugaron un papel vital.

Valor del arte digital

¿Cuál es la esencia de una herramienta creativa si es digital? ¿Cómo puedo, como coleccionista, conectar con este arte a otro nivel, más allá de simplemente transferir el archivo por Dropbox o USB, o reproducir la cinta de vídeo en la grabadora?

Con blockchain, encontramos muchas respuestas, al menos para mí como galerista. Se puede demostrar la procedencia, probar la escasez digital de un archivo e interactuar con una comunidad de forma muy rápida.

Me cautivó porque, por lo que he visto en las finanzas tradicionales y otros sectores, parecía que los modelos tradicionales, sea cual sea el sector del que hablemos, ya no funcionarían tan bien como antes. Tenemos que mirar hacia el futuro. Y el futuro es la tecnología y la innovación.

De la pantalla a la pared de la galería

Creo que la presentación física de obras digitales en espacios analógicos es fundamental. Cuando hablamos de algo nuevo —ya sea una tecnología o cualquier otra novedad—, si la gente lo desconoce, tiende a temer lo que está por venir. Por eso, para educar y generar confianza, hay que estar presente, ser abierto y conectar con el público. Hay que estar disponible para que, juntos, podamos construir esa confianza.

El diálogo, la conversación real cara a cara, es fundamental. Aunque se trate de una obra digital por naturaleza, no tiene por qué presentarse exclusivamente en formato digital. Puede ser una performance, una obra interactiva, una animación, una pantalla, una impresión o un lienzo. Depende de la idea y el concepto de la obra. También puede tratarse simplemente de luz, de la presencia del momento y de la percepción que se tiene de la obra en ese instante concreto.

Convertir talentos emergentes en artistas consagrados

Como fui el único realmente interesado en este espacio desde el principio, tuve que encontrar a todos los artistas, acercarme a ellos y coleccionarlos. Primero que nada, tienes que apoyar al artista en el que crees. Esa es una parte importante de un viaje.

Para mí, cada colaboración que he hecho, cada exposición que he comisariado, ha sido muy importante, y es como una cápsula del tiempo. Creo que también es un hito para muchos artistas, porque dimos origen a muchos artistas emergentes, que ahora son artistas consagrados.

Cómo la pandemia lo cambió todo

El arte digital tiene una larga historia. No nació ayer. Para mí, es innegable que ya se le reconoce. Forma parte de nuestra cultura como arte contemporáneo, y debe ser reconocido por aún más gente.

Pero creo que hubo un momento, desde 2021, que aceleró la aceptación del arte digital debido a la pandemia y el confinamiento, cuando la gente se vio obligada a buscar y coleccionar a través de herramientas en línea. Probablemente ese fue el hito que marcó el cambio en todo el sistema.

Creo que fue entonces cuando realmente pudimos sentir que ya no necesitábamos un espacio físico para vender y mostrar arte digital, porque la pandemia nos dio un gran impulso en el espacio online y vendimos todas las obras digitales, pero no teníamos acceso a las físicas.

Tendencias en arte digital y coleccionismo

El arte contemporáneo está siendo transformado por el pensamiento sistémico. Los artistas no solo crean objetos, sino que cuestionan infraestructuras: identidad, algoritmos, poder, redes. Hay una transición de lo material a lo inmaterial, de la forma al código, de lo individual a lo colectivo. No se trata solo de estética, sino de agencia y contexto.

El arte contemporáneo en el que me muevo —en la Web3— muestra una gran diversidad y una fusión de IA, blockchain, estética y datos, sin olvidar la ética. Al mismo tiempo, observamos el impacto ambiental y la participación comunitaria al hablar de la cultura Web3. En mi opinión, la tendencia futura no se limita a un estilo, sino que implica un cambio sistémico completo, así como una transformación en nuestra relación con el arte y en cómo lo coleccionamos. Esa es, para mí, la tendencia más importante.

Creo que veremos evolucionar las galerías de arte tradicionales y, por supuesto, ya hemos visto surgir nuevos ecosistemas —no solo galerías— y nuevas formas de abordar el coleccionismo de arte digital.

Este es el cambio más importante. Y no se trata solo de coleccionar una obra en particular de forma individual. Creo que también se trata de… Dado que el arte se vuelve programable, el coleccionismo se convierte en una especie de performance comunitaria. Quizás veamos cómo el coleccionismo de arte digital también evoluciona hacia algo más parecido a la coautoría artística.

Sin duda, aún se puede crear algo revolucionario. Creo que los verdaderos artistas, los genios, siempre perciben el tiempo de una forma distinta a la del público general. Creo que perciben las cosas y, en cierto modo, actúan como adivinos. Suelen interactuar con las herramientas más interesantes y las tecnologías más innovadoras.

Hoy en día, hablamos mucho de computación cuántica, y para mí, las obras más interesantes se encuentran en este campo. Se habla mucho de inteligencia artificial, pero se trata de inteligencia artificial en general. No es superinteligencia. Así que, cuando lleguemos al siguiente nivel, podríamos ver obras conceptuales muy interesantes, así como artistas trabajando con computación cuántica.

Desmintiendo el mito sobre el arte digital

Creo que la mayor idea errónea sigue siendo que el arte digital es de alguna manera más fácil, que se genera, no que se crea. Respondo a esto diciendo que todos los medios, desde el óleo hasta la fotografía, se enfrentaron al mismo escepticismo en algún momento. Y que todos ven que la IA no es un artista: es solo un pincel, una lente, un espejo, pero no un creador. Esa, creo, es la mayor idea errónea. Y aún tenemos que creer que el artista es la figura central como creador, y no la IA. La IA es solo una herramienta.

El futuro de la comunidad del arte digital

Definitivamente creo que necesitamos más infraestructura tecnológica para que esta comunidad funcione mejor. Con "mejor" me refiero a que debemos retomar nuestros inicios en 2017-2018 y cómo nos adentramos en este espacio de arte y tecnología, cuando animábamos a la gente a pagar regalías. Estábamos a favor de la democratización del arte, conectando a artistas y coleccionistas, intentando eliminar a todos los intermediarios, como yo mismo.

Sin embargo, creo que el modelo tradicional del mercado del arte funciona, en el sentido de que necesitamos todos los componentes para que el ecosistema funcione. Necesitamos críticos de arte, comisarios, galerías. Necesitamos instituciones. Necesitamos coleccionistas. Y, por supuesto, artistas.

Pero al mismo tiempo, deseo que la tecnología se siga utilizando para enriquecer y potenciar este ámbito. Con el tiempo, muchas plataformas han dejado de pagar regalías por las ventas en el mercado secundario. Me parece muy triste, porque esa era una de las principales motivaciones para mí —sorprendentemente, como galerista— de ver que se pagaran estos incentivos al artista. Creo que es fundamental que los artistas conserven esta libertad financiera para que puedan crear aún más.

Y para el futuro, mi ilusión es ver proyectos más interesantes e innovadores, tal vez mejores presentaciones de obras de arte, porque necesitamos mejores pantallas. Necesitamos mejores —quizás no pantallas en sí—, sino algún tipo de visualización que podamos usar para presentar arte digital nativo que hable por el público, se vea bien y se sienta bien. Eso es muy importante.

Principiantes en el arte digital: ¿por dónde empezar?

Sugiero empezar por mirar y, probablemente, por autoeducarse. Es decir, mirar las obras o visitar las exposiciones de Refik Anadol. Sougwen Chung, Anna Ridler y Osinachi.

Para familiarizarse con la percepción del arte, recomendaría mirar el trabajo de Robert Irwin, quien en realidad es un artista contemporáneo, pero revolucionó el mundo del arte a lo grande y creo que es un predecesor muy temprano del arte digital.

También contamos con muchas galerías que puedes visitar o visitar plataformas como Objkt, Feral File y SuperRare. El arte es asequible, así que puedes explorar y aprender.

Como llevo muchos años trabajando con coleccionistas, creo que es el momento idóneo para documentar esta trayectoria y animar a más coleccionistas, tanto principiantes como de la nueva generación, a que se inicien en el coleccionismo de arte digital. Por eso, les presento mi primer libro, «Collecting Art On-chain», que saldrá muy pronto. Se trata de una publicación clave dedicada a los coleccionistas y creadores que dieron forma a la cultura Web3.

Acerca de InkPoster

InkPoster rompe las distancias. No es solo una exhibición, es una galería sin paredes. Una revolución silenciosa en accesibilidad. Es una plataforma fundamental que permitirá a las personas interactuar, coleccionar, aprender, sentir y contemplar el arte desde una perspectiva diferente. InkPoster hace que coleccionar sea intuitivo, descentralizado y emocional.

Creo que es un proyecto realmente hermoso. Para mí, InkPoster representa el siguiente capítulo en distribución y propiedad. Lleva la cultura contemporánea a salas de estar, dormitorios y aeropuertos. El arte como presencia, no como prestigio. Ese es el futuro que quiero construir.