5 moderne Kunsttrends: Anna Kostritskaya über digitale Innovation und Kreativität

Anna Kostritskaya ist eine weltweit anerkannte Künstlerin, deren ausdrucksstarke abstrakte Werke auf zahlreichen internationalen Kunstveranstaltungen, darunter in Wien, Dubai, Venedig, Basel, London und Paris, gefeiert wurden. Ihre Kunst wurde in renommierten Publikationen wie der britischen Vogue, Tatler und GQ vorgestellt. Anna ist für ihren lebendigen, zeitgenössischen Stil bekannt und zeichnet sich sowohl durch traditionelle Malerei als auch durch digitale Kunst, einschließlich NFT-Projekten, aus und definiert die Grenzen moderner Kreativität neu. Ab sofort sind ihre faszinierenden Gemälde exklusiv in der InkPoster™-App erhältlich und bieten die einzigartige Gelegenheit, ihre Kunst im digitalen Format zu erleben.

Exklusiv für InkPoster teilt Anna Kostritskaya ihre Erkenntnisse zu den neuesten Trends in der Kunst, diskutiert die Auswirkungen der Technologie auf die Kreativität und erklärt, warum ihrer Meinung nach die Zukunft in digitalen Formaten zum Speichern und Anzeigen von Kunst liegt.

Digitalisierung: Der Schlüsseltrend in der modernen Kunst

Ich bin eine Künstlerin, die traditionell mit Öl, Textilien und Sand arbeitet – Offline-Kunst, handwerkliches Können. Doch während der COVID-19-Pandemie begann sich die Kunst für mich dramatisch zu verändern. Damals entstanden Online-Galerien, virtuelle Museen und digitale Ausstellungen. 2020 veranstaltete ich meine erste Online-Ausstellung – eine 3D-Projektion eines virtuellen Raums, in dem Besucher die Kunstwerke von zu Hause aus erkunden konnten.

Im Jahr 2021 arbeitete ich an einem riesigen NFT-Projekt, damals, als NFTs noch nahezu unbekannt waren. Das Konzept meines Projekts basierte auf der Idee, dass sich die Kunst nach so viel Zeit der Isolation zu Hause unweigerlich weiterentwickeln und in digitale Formate übergehen würde.

In diesem Jahr vertiefte ich mich intensiv in das Thema – ich studierte das Metaversum und erforschte, wie sich Künstler anpassen und vermeiden könnten, vom Aufstieg der digitalen Kunst in den Schatten gestellt zu werden. Schließlich herrscht in der heutigen Welt eine Übersättigung mit allem, auch mit physischer Kunst. Den Menschen fehlt schlichtweg der Platz, um traditionelle Werke aufzubewahren oder auszustellen. Selbstverständlich werden besonders wertvolle Werke berühmter Künstler meist im Ausland oder in gesicherten Einrichtungen wie Flughäfen gelagert.

Während meiner Arbeit an meinem NFT-Projekt habe ich oft mit Experten über die Herausforderung diskutiert, Kunst zu Hause zu präsentieren. Anders ausgedrückt: Es ist wichtig, die Kunst, die man bei einer NFT-Auktion erworben hat, oder auch Gemälde von Manet, Delaunay und Picasso aus der eigenen Sammlung zeigen zu können. Sammler teilen besonders gerne die Geschichten hinter ihren Erwerbungen – wie sie bei einer Auktion um ein bestimmtes Werk gekämpft haben oder wie Picasso es geschaffen hat. Sie wollen es präsentieren: „Seht mal, was ich habe!“

Und hier kommt ein Format wie InkPoster ins Spiel – tragbar, vielseitig und in der Lage, Ihre Sammlung zum Leben zu erwecken. Eine unglaubliche Idee. Mit InkPoster können Sie jederzeit zwischen Kunstwerken wechseln und Ihre Sammlung stolz präsentieren. Im Jahr 2021 gab es so etwas noch nicht.

Künstliche Intelligenz – die vielversprechendste Errungenschaft der Digitalisierung

KI ist zweifellos ein integraler Bestandteil der Digitalisierung, verdient aber meiner Meinung nach besondere Aufmerksamkeit. Wir haben Tools wie ChatGPT und MidJourney – und jetzt fühlt es sich an, als könnte jeder ein Künstler sein! Genauso geht es mir. Ich habe zum Beispiel einen Freund, der Marketingexperte aus New York ist. Er hat sich intensiv mit diesem Bereich beschäftigt, und ehrlich gesagt könnte man ihn schon als modernen Künstler bezeichnen. Mit MidJourney erstellt er Bilder von sich selbst in verschiedenen Rollen und kreiert so zeitgenössische Kunstinhalte.

Eine weitere wichtige Rolle der KI besteht darin, Kunst für Menschen mit Behinderungen zugänglicher zu machen. Beispielsweise kann KI Menschen mit Sehbehinderungen ein Gemälde beschreiben und ihnen so helfen, Kunst auf eine Weise zu erleben, die bisher unvorstellbar war. Durch Technologien wie Virtual Reality können Menschen auf Informationen zugreifen, Museen besuchen und VR-Ausstellungen erleben. Viele Künstler nutzen VR bereits in Museen, um ihre Ausstellungen zu verbessern. Heutzutage kann jeder bequem von zu Hause aus Kunstsammlungen erkunden.

Ökologie und globale Veränderungen

Ökologie bleibt ein dauerhaft relevantes Thema. Vom Plastikrecycling bis zur globalen Erwärmung verflechten sich diese Themen zunehmend mit der Kunst. So bringt der Künstler Olafur Eliasson Eisberge in die Städte und lässt sie schmelzen – ein starkes Zeichen gegen den Klimawandel.

Ich glaube, dass wir uns irgendwann von traditionellen Leinwänden verabschieden werden – wie schnell das passiert, kann ich allerdings nicht sagen. Es könnte fünf, zehn oder sogar zwanzig Jahre dauern. Aber wir sehen bereits Anzeichen dafür. Da sind zum einen die Proteste an Orten wie der Tate Gallery, dem MoMA und der National Gallery, wo Öko-Aktivisten Farbe auf Kunstwerke gießen, um auf Umweltprobleme aufmerksam zu machen. Zum anderen ist die globale Lage unsicher, und es ist wahrscheinlich, dass die Menschen versuchen werden, ihren Besitz zu minimieren. Vielleicht werden Auktionshäuser wie Christie's und Sotheby's überleben und nur die exklusivsten Stücke ausstellen – aber selbst das ist nicht garantiert.

So sehr ich die Malerei auch liebe, sie wird im modernen Leben immer unpraktischer. 30 Werke von einem Ort zum anderen – oder sogar von einem Land ins andere – zu transportieren, ist eine enorme Herausforderung, und das ist die Frage eines Künstlers, nicht eines Sammlers. Wer große Sammlungen besitzt, benötigt spezielle Lagermöglichkeiten, wie Offshore-Lagerhäuser oder Flughäfen.

Die ideale Lösung, und ich glaube, wir werden letztendlich darauf umsteigen, sind digitale Poster. Sie ermöglichen uns den einfachen Transport ganzer Sammlungen und stellen sicher, dass selbst im Katastrophenfall – sei es bei Feuer, Überschwemmung oder anderen Unglücken – nichts verloren geht. Digitale Poster bewahren Kunst als wertvolles Gut und bewältigen gleichzeitig die logistischen und ökologischen Herausforderungen traditioneller Formate.

Krieg, Politik, Aktivismus und Verantwortung

Der Krieg hat mich unerwartet beeinflusst. Anstatt die Dunkelheit um mich herum zu reflektieren, wandte ich mich der Realität zu und begann, leuchtende, farbenfrohe Werke zu schaffen – fast wie eine Art Rettung vor all dem Chaos, das über uns hereinbrach. Vor dem Krieg waren meine Bilder dramatischer, mit dunklen, schwarzen Tönen. Jetzt sind sie fast überwältigend lebendig. Doch selbst in diesen leuchtenden Werken sehe ich eine gewisse Schwere. Sie sind weder einfach noch von leichter Bedeutung. Für mich ist diese Serie zutiefst komplex.

Der Trend, Aktivismus und Bewusstsein in der Kunst zu betonen, ist in der Ukraine besonders ausgeprägt, was angesichts unserer Umstände Sinn ergibt. Der Krieg hat die Menschen gezwungen, ihre Meinung zu äußern, und diejenigen, die diese Realitäten künstlerisch thematisieren, leisten etwas wirklich Kraftvolles. Wir haben viele herausragende Künstler, die in diese Richtung arbeiten. Zum Beispiel Zhanna Kadyrova – sie hat sich in ihrer Kunst schon immer mit relevanten sozialen und politischen Themen auseinandergesetzt. Dieser Ansatz ist jedoch nicht neu; es gab schon immer Weltklasse-Künstler wie Ai Weiwei, Marina Abramovic und Banksy, die aktuelle soziale und politische Probleme aufgreifen und in ihren Werken reflektieren.

Dieser Trend existiert schon lange. Doch angesichts der weltweiten Veränderungen – durch Covid, Krieg und andere Krisen – erscheint er noch dringlicher. Die Welt scheint sich zusammenzuziehen und sich auf einen Wandel vorzubereiten. In jedem Fall wird es zu einer Neuordnung der globalen Landschaft kommen – jeder spürt es. Und Künstler, emotional und mental sensible Menschen, vermitteln dies ganz selbstverständlich durch ihre Kunst.

Infolgedessen beschäftigen sich immer mehr Künstler mit aktuellen gesellschaftlichen und politischen Themen und engagieren sich aktiv. Aktivistische Kunst war schon immer gefragt – sie verkauft sich gut. Werke, die aktuelle Themen aufgreifen, ziehen oft Sammler, politische Strategen und Anwälte an. Für solche Werke gibt es fast immer eine Schlange von Käufern.

Figurative Kunst, Sinnhaftigkeit und Spiritualität

In letzter Zeit hat sich die Kunst von der Abstraktion abgewandt und ist figurativer geworden. Früher lag der Fokus stärker auf Abstraktion und inneren Impulsen. Heute präsentieren Künstler persönlichere und introspektivere Bilder.

In Londons Galerien ist figurative Kunst allgegenwärtig. Vieles davon thematisiert Spiritualität oder erforscht einzigartige Welten, die Künstler erschaffen. Die Rückkehr zur figurativen Kunst mit klaren und definierten Bildern ist zu einem der wichtigsten Trends der zeitgenössischen Kunst geworden. Viele Künstler greifen klassische Themen, beispielsweise aus der Renaissance, wieder auf und interpretieren sie neu, verleihen ihnen einen modernen Touch und bringen sie in ihrem eigenen, einzigartigen Stil zum Ausdruck. Diese Art der Neuinterpretation ist gerade jetzt sehr aktuell.

Hyperrealismus ist nach wie vor beliebt – er hat sich immer gut verkauft –, aber er ist nicht so weit verbreitet, wie man vielleicht denken könnte. Stattdessen sehe ich eine Art figurativer Freiheit entstehen. Sie erinnert an das, was Basquiat einst repräsentierte, oder an die Bilder, die man auf Garagentoren findet, entwickelt sich aber nun zu weicheren, glänzenderen, aufgeblaseneren Formen. Die Künstlervielfalt ist heute unglaublich. Die Zeit, in der ein einziger, dominanter Stil eine Ära definierte, ist längst vorbei. Das endete mit der Jugendstil-Ära, als es eine einheitliche Ästhetik gab – alles sah aus wie ein Mucha-Poster, und das war’s. Heute gibt es keine Regeln mehr. Jeder kreiert auf seine eigene Art. Als Künstler kann man sein, wer man will. Der Schlüssel ist, sich selbst treu zu bleiben und seine Individualität nicht zu verlieren.

Doch auch die Grenzen zwischen den Kunststilen haben sich im Laufe der Zeit verwischt. Betrachtet man die Kunstgeschichte, erkennt man ihre Entwicklung. Zunächst durften Künstler nur religiöse Figuren darstellen, dann Könige, dann Adlige und schließlich einfache Menschen – wie Wäscherinnen. Revolutionär war es, als der Alltag in der Kunst auftauchte. Von da an erweiterten sich die Möglichkeiten stetig.

Heutzutage kann uns nichts mehr wirklich schockieren. Man könnte in eine Galerie gehen und dort ein verrottendes Stück Fleisch sehen. Das ist die Welt, in der wir heute leben.